Rencontre avec Antonin Gellibert

Quel est votre métier ?

Mon métier principal, c’est costumier. Je travaille pour des compagnies de théâtre, le cirque ou l’opéra ; de temps en temps pour le cinéma ou la danse. Un peu tout ce qui est lié au costume de scène. J’aime cette variété du spectacle vivant. Je découvre de nouvelles approches, avec des moyens différents. Par exemple, en venant à Saint-Laurent, j’amène le savoir-faire et l’exigence que j’ai acquis à l’opéra. Et inversement, lorsque je retourne à Paris, je ramène avec moi la créativité qu’on a ici, la capacité à s’adapter, à être rapide et efficace. C’est toujours intéressant de faire communiquer les régions à travers le spectacle.

Parallèlement à cela, je porte le projet artistique d’une compagnie, les anthropomorphes. Nous réalisons des performances, qui passent souvent du costume. C’est partie d’une envie d’aboutir à des projets qui soient complètement les miens, car je pense que pour rester créatif, c’est important de créer pour soi. Ça nourrit aussi pour apporter aux compagnies avec lesquelles on travaille. Pour moi, tous les gens de spectacles sont des metteurs en scène, car chacun met en scène à son niveau : en tant que costumier, on amène des costumes qui vont sur scène, les comédiens y apportent leurs idées. D’ailleurs, les metteurs en scène sont souvent d’anciens comédiens. Les gens de la technique sont aussi des artistes, et on a tous quelque chose à raconter, à apporter. On peut avoir des points de vue différents et qui amènent autre chose à l’ensemble.

En plus de cela, je fais de la scénographie, je monte parfois sur scène également, selon les projets.

Vous avez toujours voulu être costumier ?

En fait, j’ai commencé par des études scientifiques. J’ai fait une prépa en biologie, domaine que j’aimais beaucoup. Mais, je n’aimais pas du tout la prépa. J’ai rencontré quelqu’un qui faisait des vêtements et j’avais besoin de voir autre chose. Alors, un peu sur un coup de tête, j’ai décidé de m’inscrire dans une école pour apprendre à en fabriquer moi-même, je trouvais cela très créatif, ça me fascinait. Je suis donc renté à ESMOD à Paris. C’est une école très orientée stylisme modélisme. Je me suis vite rendu compte que le milieu de la mode n’était pas fait pour moi, que je n’avais rien à y apporter et c’était assez réciproque ! Heureusement, il y avait une troisième année de spécialisation en création scénique. J’ai alors entendu parler de l’ENSATT, j’ai tenté le concours et je l’ai eu. Ça été la révélation, je m’y suis tout de suite senti chez moi.

Il ne s’agissait pas que des costumes, mais être avec des étudiants dans d’autres filières du spectacle (comédie, lumière, son). Cette rencontre avec d’autres métiers et d’autres façons de travailler, j’ai trouvé que c’était extraordinaire. Dès ma sotie de l’ENSATT, j’ai été embauché et ça fait dix ans que ça s’enchaine, notamment grâce à l’ENSATT.

C’est un métier que je trouve passionnant, j’aime la couture certes, mais encore une fois les rencontres sont un élément central. Par exemple sur le spectacle de La Véridique Histoire du petit chaperon rouge, sur lequel je travaille actuellement, est également présent un scénographe camerounais, Dieudonné Focou. Il fait des choses extraordinaires et complètement différentes de ce que j’ai pu connaitre, c’est très enrichissant. Et évidement, il y a également les voyages, dans tous les sens du terme, qui permettent de découvrir de nouveaux endroits, que ce soit par les tournées en France métropolitaines ou en allant aussi loin qu’en Guyane. J’ai découvert des lieux que je n’aurais pas connus autrement et c’est vraiment génial.

Comment s’est passée votre rencontre avec le théâtre ?

C’est l’ENSATT qui m’a appelé et m’a proposé de travailler sur Le Songe d’une autre nuit. Je me suis demandé pourquoi moi ? J’ai une petite théorie là-dessus ; j’avais fait mon mémoire sur la manière dont les costumiers pouvaient être utiles à la rencontre entre les cultures et j’ai toujours pensé que le choix de me contacter devait être lié à ce mémoire. Quand on m’a parlé du montage de cette pièce en Guyane, avec des étudiants en fin de cursus, j’ai répondu oui sans aucune hésitation. J’étais prêt à partir dès le lendemain si nécessaire.

Mes premières expériences professionnelles se sont déroulées en Arménie ou en Finlande, donc être dans l’inconnu n’était pas une nouveauté. Mais l’inconnu guyanais n’est pas l’inconnu finlandais… Avant de partir, j’avais rencontré Jacques Martial, le metteur en scène, quelqu’un de passionnant. Du coup mon premier contact avec la Guyane, c’était à travers lui, qui m’a raconté son vécu.

Ma mission était double lorsque je suis arrivé : faire les costumes pour ce spectacle de fin de promotion et parler du costume aux étudiants, en tant qu’intervenant. Qu’est-ce qu’un costume, comment ça s’utilise ? Ce ne sont pas juste des vêtements. C’était une grande première pour moi, j’avais un peu la pression, car comme pour tous les projets, j’avais vraiment envie de réussir. J’ai appris à adapter ma façon d’aborder le sujet avec des étudiants non-costumiers.

Pour la partie costume, nous étions trois : il y avait une stagiaire de l’ENSATT, guyanaise d’origine et Sueli qui s’occupait des costumes au théâtre. J’ai apprécié leur présence et leur soutien. Ensemble, nous avons beaucoup travaillé et nous sommes même allés à Paramaribo, acheter du matériel. La rencontre avec le bagne aussi était particulière, car j’en avais entendu parler, mais il ne faisait pas parti de ma réalité.

Aujourd’hui, je reviens et tout cela est encore présent, mais ce qui me paraissait être l’aventure il y a sept ans est devenu la maison. Depuis ce premier projet, je reviens quasiment tous les ans. J’ai pris mes habitudes. La case costume a pris de l’ampleur et s’est professionnalisée et le camp m’est devenu plus familier.

Y a-t-il un spectacle qui vous a plus marqué qu’un autre ?

J’ai fait deux fois des sorties de promotions, deux fois du Shakespeare. Et j’ai également travaillé sur les créations du centre dramatique, en particulier sur les textes de Gustave Akakpo. C’est une rencontre littéraire qui m’a marqué, même si je ne l’ai jamais rencontré en vrai. Je trouve que ses textes sont vraiment très contemporains, tout en étant faciles d’accès et sans renoncer à l’exigence au niveau de l’écriture. C’est un peu mon idéal de théâtre contemporain, qui raconte avec une langue nouvelle, des choses d’aujourd’hui. Parce que ce n’est pas juste un auteur africain, c’est un auteur d’aujourd’hui et je trouve qu’il y a une certaine résonance de ses textes ici. A chaque fois c’est un plaisir de voir la mise en scène qu’en fait Ewlyne Guillaume et le travail des comédiens.

Quelles sont vos projets ?

Pour moi, c’est une année assez particulière, parce que cela fait dix ans que j’ai commencé à travailler. J’ai rempli les objectifs que je m’étais fixés professionnellement. C’est donc le bon moment pour faire le point et voir comment j’ai envie de mener ma carrière pour les dix prochaines années. Il y a potentiellement un projet avec Jacques Martial à la saison prochaine, pour lequel je ferais les costumes. Et je trouve assez génial de collaborer à nouveau avec Jacques, en Guyane, sur un spectacle très différent, mais qui sera aussi très beau.

Et puis j’ai aussi envie de donner plus de place à ma compagnie, je pense que je me plairais à répartir mon temps autrement. Peut-être présenter quelque chose en Guyane, au centre dramatique. J’aimerais beaucoup.

Invitations, adhésions et donations

Chères adhérentes et chers adhérents, KS and CO,

Une nouvelle et riche programmation est annoncée avril 2021 au centre dramatique Kokolampoe, le mois du Festival les Tréteaux du Maroni. Pour cette ouverture théâtrale nous vous présentons la pièce

“La véridique histoire du Petit Chaperon rouge” de Gustave AKAKPO (à partir de 12 ans)

Jeudi 8 avril 2021 à 20 h au camp de la Transportation, Théâtre de Verdure.

Nous vous invitons à partager à la fin du spectacle un buffet convivial.

Les amies du théâtre, Guylène Constable, Isabelle Morisset, Annie Périer

* A cette occasion, vous pourrez renouveler votre adhésion de 15 euros pour l’année 2021. Merci de réserver par retour de mail.

L’adhésion et ses avantages

Adhérer à l’association KS and CO c’est l’occasion de soutenir la compagnie dans son travail de création et pour cela, nous vous remercions pour votre engagement.

  • La carte d’adhésion est valable un an à partir de la date d’achat, elle vous donne accès à des tarifs préférentiels sur tous les spectacles et toutes les dates, dans la limite des places disponibles. Elle vous hisse en priorité de la liste d’attente des achats de place toute l’année et aussi pendant la période du festival des Tréteaux du Maroni.
  • Avec la carte d’adhésion, vous allez profiter des moments conviviaux avec l’équipe du théâtre et les artistes programmés.
  • Le prix de la carte d’adhésion est de 15 €.

Comment adhérer et retirer la carte d’adhésion ?

Vous pouvez faire une adhésion à l’aide du formulaire ci-dessous.

Formulaire d’adhésion à l’association KS and CO

Une fois votre adhésion validée, vous pourrez retirer votre carte d’adhérent au théâtre à l’occasion d’une représentation.

Donateurs et bienfaiteurs,

Vous pouvez aussi participer à une hauteur financière plus conséquente pour nous aider à développer nos projets. L’ouverture de déductions fiscales est possible pour les particuliers et les entreprises.

Cordialement et théâtralement votre !


Les Tréteaux du Maroni 2021

REVUE DE PRESSE ET PROGRAMMATION 2021

…Un théâtre de la diversité sur un territoire où cohabitent de nombreuses langues et cultures…

Magazine La Scène

…En 2006, la Compagnie KS and CO crée le Festival Les Tréteaux du Maroni qui, dès son édition 2009, devient le Festival du Bout des Mondes, Festival international des Arts de la Scène. Cirque, danse, happenings de rue, théâtre, musique, toutes les disciplines sont invitées à participer à cette fête du théâtre dans tous ses états. Le développement de coopérations avec des acteurs culturels et institutionnels de la région Amazonie-Caraïbe a permis la naissance d’un réseau artistique et culturel inter-régional. La mise en place, en 2010, de partenariats avec le Gouvernement Belge, le Théâtre des Doms, vitrine de la création francophone belge en Avignon, et les équipes artistiques de Belgique invitées a augmenté encore le rayonnement du Festival et renforcé la mise en réseau initiée avec la Grande Région en l’inscrivant dans un réseau européen plus large. Avec le Festival Les Tréteaux du Maroni, la Compagnie KS and CO met en œuvre un théâtre de la diversité sur un territoire où cohabitent de nombreuses langues et cultures…

Magazine La Scène

…Ce festival ouvre le débat sur la place et la circulation du théâtre dans une grande région où les langues sont multiples et souvent orales…

Magazine La Scène

…Cette dimension internationale est ainsi une opportunité supplémentaire pour l’Ouest Guyanais d’échanger dans le domaine du théâtre et de la culture et d’établir et consolider des réseaux avec, en premier lieu, les pays voisins d’Amérique du Sud et du Nord, les pays de la Caraïbe mais aussi avec des pays d’Europe, d’Orient, d’Afrique…

La Lettre du spectacle


PROGRAMMATION 2021


La véridique histoire du Petit Chaperon rouge - Les tréteaux du Maroni 2021

© Antonin Boyot Gellibert

La véridique histoire du Petit Chaperon rouge

THÉÂTRE | CRÉATION 2021 | à partir de 12 ans

Centre dramatique Kokolampoe


Congo Square - Les tréteaux du Maroni 2021

© Tamangoh

Congo Square

DANSE ET MUSIQUE JAZZ | spectacle familial, à partir de 8 ans

Compagnie Urban Tap


Marielle en vrai - Les tréteaux du Maroni 2021

© Yamil Karam

Marielle en vrai

SEULE EN SCÈNE | à partir de 15 ans

Marielle Salmier et Ricky Tribord


fœtus - Les tréteaux du Maroni 2021

© Alice lauréat

Fœtus

SEUL EN SCÈNE | à partir de 15 ans

Compagnie Les voleurs de soleil


Pinocchio - Les tréteaux du Maroni 2021

© Véronique Norca

Pinocchio

THÉÂTRE | à partir de 7 ans

Diplôme Universitaire de Préparation au Métier d’Acteur (DUPMA)


Dé mo kozé, Respé lanmou

CONTE | spectacle familial

Jean-Claude Duverger


À voir également en marge des spectacles…


portraits-de-territoire - Les Tréteaux du Maroni 2021 - © Renan Liétar

© Ronan Liétar

Portraits de territoire

EXPOSITION | CDN Les Tréteaux de France et Centre dramatique Kokolampoe | Photographies Ronan Liétar


UN CINÉMA ENFANT

  • Pat et Mat
  • Zibilla ou la vie zébrée
  • Ma mère est une super héroïne
  • Moonrise Kingdom

DES PERFORMANCES

Wayne Monroe | Graffeur

Dieudonné Fokou | Plasticien

Samuel Selig | Danseur


UN ESPACE SCÈNE OUVERTE

Avec la participation de l’Atelier des Étoiles (Cirque), d’étudiants du Cours Florent (Théâtre), de l’atelier du Collège Albert Londres (Comédie musicale), Compagnie Jeunes Sans Limites (Danse)

Ouvert à tous !

Du 22 au 25 avril 2021


VOIR LE SITE INTERNET DU FESTIVAL


Télécharger le programme-LTDM2021


NOS PARTENAIRES POUR LE FESTIVAL LTDM_2021


Rencontre avec Gustave Akakpo

Dramaturge et Metteur en scène

Comment êtes-vous venu au théâtre ?

Je suis né au Togo et je ne me destinais pas du tout à faire du théâtre. J’ai l’habitude de dire que je ne suis pas venu au théâtre, c’est le théâtre qui est venu à moi. J’avais une grand-mère, qui me racontait beaucoup d’histoires, de contes. Enfant, je voulais être une grand-mère, parce que pour moi, il fallait être grand-mère pour raconter des histoires. Finalement, c’est le théâtre qui s’est imposé, parce que j’ai fait des rencontres littéraires, qui m’ont marqué. Je me souviens d’une phrase de Césaire, que j’ai lu à 16 ans : « ma bouche sera la bouche des malheurs qui n’ont pas de bouche et ma voix la liberté de celles qui s’affaissent au cachot du désespoir ». J’aimais déjà bien écrire, mais pour la première fois, je me suis dit que je pourrais écrire des textes destinés aux autres.

A côté, j’ai fait du théâtre en amateur au collège, au lycée puis à la fac de droit. C’était important, car ayant grandi sous une dictature, à l’adolescence, j’ai vécu les révoltes populaires et parmi les étincelles de cette révolte, il y avait des gens qui faisaient du théâtre. Un théâtre engageant, où on parlait de politique, de la société, alors qu’on avait absolument aucune liberté de parole ou de pensée. Il m’est apparu comme un espace formidable de liberté et ça m’a donné envie d’écrire du théâtre. Cela m’a aussi donné l’opportunité de voyager en Afrique et en Europe, et puis un jour je me suis dit « et bien tu n’es plus en train de faire des études de droit, tu fais du théâtre ».

Quand avez-vous décidé d’en faire votre métier ?

Je parlerais de ma première pièce de théâtre « catharsis », qui a été mon acte de naissance au monde. Ma naissance officielle, je n’y ai pas consciemment « contribué » ; et je pense qu’à un moment, on doit se poser la question : quels sens on donne à sa vie ? Je suis né en Afrique, un continent que l’on dit sous-développé, émergeant ou en voie de développement selon les évolutions du politiquement correcte… Tu nais déjà quelque part, où on te dit que tu es en dessous et en plus dans une dictature. Tout cela me déprimait énormément. Adolescent, j’avais lu un livre sur le suicide rituel des sikhs en Inde et je me suis posé la question d’habiter la vie ou pas. Dans les sociétés traditionnelles les rituels initiatiques sont importants, même s’ils peuvent être dangereux, car quand tu en es sorti, tu sais pourquoi tu vis. Écrire catharsis a été pour moi une manière de faire le point, de faire le choix de la vie. D’ailleurs la pièce se termine par un accouchement.

Racontez-nous votre rencontre avec le centre dramatique Kokolampoe.

Ma rencontre avec le Centre dramatique, c’est venu par Ewlyne Guillaume, qui en découvrant mes pièces a eu envie de les monter. Elle a vu dans les sujets abordés et ma manière de travailler la langue, une possibilité que ça résonne fort ici. Il existe un lien entre les anciennes colonies françaises, restées dans la France ou affranchies, dont on ne parle pas dans l’histoire générale transmise. La colonisation a été un choc violent entre une Afrique, qui était sur sa propre lancée et l’Occident. Et ce lien se retrouve dans la question du métissage par exemple. Les mythes, les cultures africaines, les savoir-faire africains, on commence à peine à les redécouvrir. Il y a eu comme un trou dans l’histoire. Je crois qu’il y a aussi quelque chose de cet ordre ici, de cette violence qui n’est pas encore catharsisée.

Ça m’a marqué, lorsque j’ai rencontré les comédiens, qui ont joué la première de mes pièces montées ici « à petites pierres ». Dans cette pièce, à partir de l’imaginaire nouchi, j’ai travaillé une langue française, ivoirienne, très créolisée. J’ai été très touchée que ça leur parle, cette construction, cette manière de tordre la langue. Mais aussi dans les sujets qui sont abordés : la confrontation entre tradition et société contemporaine, les pulsions de vie de la jeunesse en butte au statu quo des anciennes générations, tout cela parlait individuellement aux comédiens. J’en suis encore très ému.

Quels sont vos projets pour 2021 ?

Évidemment, car le covid a bouleversé plein de choses. Lors du premier confinement, j’étais à Paris et cela m’a fait du bien. J’étais avec ma famille et je me suis ressourcé. Je ne me posais pas la question de l’écriture. Mais après, j’ai eu une vraie panne d’écriture, parce que je me demandais : « à quoi bon écrire ? » Comme si tout était vain. Heureusement que j’avais des projets avec d’autres personnes. Notamment un projet sur la diversité, sous forme de fausse conférence. Nous sommes trois écrivains sur ce projet. Il avait été décalé l’an dernier, mais nous avons quand même pu jouer devant un public de professionnels en décembre. Les retours ont été positifs, mais avec la situation sanitaire, plusieurs dates ont déjà été annulées ou reportées. Je travaille également sur un roman pour ado. C’est la suite de la véridique histoire du petit chaperon rouge : la véridique histoire des ogres, faisant écho à tout ce qui se passe en ce moment.

On navigue tous un peu à vue et je suis assez inquiet ; ne serait-ce que par rapport à ce débat, qui n’a aucun sens, sur ce qui serait essentiel ou non. Peu importe ce que l’on pense, une graine a été semée dans l’esprit des gens. En même temps, cette inquiétude, c’est bon signe, parce que ça veut dire que j’ai envie de me battre et de rester debout.

Rencontre avec Émilie Blettery

Administratrice de la compagnie Ks and Co et du Centre dramatique Kokolampoe

Quel est votre rôle auprès du centre dramatique et de la compagnie ?

Un administrateur de spectacle vivant s’occupe de la gestion administrative et financière du projet artistique. Ce qui englobe plusieurs missions. De plus, nous sommes une petite structure : 9 salariés permanents et une vingtaine d’intermittents. De ce fait, le champ de mes activités est assez étendu :

  • La gestion des ressources humaines, que ce soit pour les salariés permanents ou pour les artistes et techniciens intermittents du spectacle. Notamment lorsque nous accueillons d’autres compagnies. D’ailleurs, lorsque les artistes viennent de l’étranger, c’est aussi d’autres démarches administratives (avec la Direction du travail, les consulats, etc.). Faire venir des artistes du Japon, du Brésil ou des États-Unis c’est une autre culture de la GRH à maîtriser. Mais c’est très intéressant.

Avec l’équipe, nous accompagnons aussi nos étudiants et jeunes professionnels, dans la recherche de financement et pour l’amélioration de leur expérience globale au sein de la structure. C’est un projet qui travaille avec l’humain, on ne peut pas l’en détacher. C’est pourquoi, nous essayons de lever tous les freins sur leur parcours et de les accompagner dans leur professionnalisation.

  • Le conventionnement avec le ministère de la culture et la gestion des relations avec les collectivités territoriales, les partenaires privés et bien sur la ville de Saint-Laurent du Maroni.
  • La recherche de financements pour la programmation de saison, les résidences, la création ou la co-production de spectacles.
  • Les relations avec le public, qu’il soit scolaire, professionnel ou issu de la société civile. Je communique sur la diffusion, organise des rencontres avec les artistes, assure l’enregistrement des réservations et l’accueil des spectateurs lors des représentations.
  • La stratégie globale de communication, en lien avec les salariés dont c’est la mission et les prestataires.
  • La logistique d’accueil, de transport, d’hébergement et de restauration pour les équipes qui arrivent en Guyane et mais aussi lorsque nous partons en tournée ou en mission.

 

Qu’est-ce qui vous a amené à travailler pour le Centre dramatique ?

Dès le départ, j’ai été attirée par les métiers de la culture. J’ai d’abord fait un DEUG d’histoire de l’art, puis une licence pro aux métiers des arts et de la culture à l’Université d’Avignon et des pays du Vaucluse. Qui dit être étudiant à Avignon, fait qu’on peut difficilement passer à côté du festival. Que ce soit l’engagement associatif, les stages ou les jobs d’été, tout tourne autour du théâtre. Dans un premier temps, je me destinais plutôt à la médiation culturelle, mais l’expérience du montage de projet artistique m’a fait m’orienter vers un master administration /gestion de projets culturels à l’Université d’Aix. C’est durant cette année d’étude, que j’ai eu l’opportunité de m’inscrire pour un master 2 proposé par l’Université Paris Dauphine aux opérateurs professionnels Guyanais, mais ouvert à quelques étudiants en formation initiale.

Nous sommes donc en 2006 et j’arrive à Saint-Laurent du Maroni, en tant qu’étudiante. C’est ainsi que j’ai rencontré Ewlyne Guillaume et Serge Abatucci, co-directeurs de la compagnie Ks and Co. Dans cette promo il y avait également Vanina Lanfranchi et Didier Urbain de l’Atelier Vidéo Multimédia et du Pôle Image Maroni, Mickaël Christophe pour le Festival Les Transamazoniennes, etc.

Je suis partie en Guyane en me disant, c’est une super opportunité. Je souhaitais faire ma dernière année de formation, ailleurs et découvrir tout à fait autre chose. Je ne connaissais pas la Guyane, mais si ça me plaisait, j’étais prête à rester et voir les possibles. J’ai eu l’opportunité de faire mon stage de fin de master au sein de la compagnie Ks and Co. L’objet de mon stage était le conventionnement « scène conventionnée » avec le Ministère de la culture. Depuis nous avons développé avec Ewlyne et Serge le projet du Centre dramatique Kokolampoe aujourd’hui scène conventionnée d’intérêt national. J’ai pu assister au premier Festival des Tréteaux du Maroni en tant que spectatrice et dès 2007 en tant que membre de l’organisation.

 

Quelle est la spécificité du Centre dramatique ?

Le centre dramatique Kokolampoe a signé une convention d’objectifs avec le Ministère de la culture, et la Ville de Saint-Laurent du Maroni. « Scène conventionnée d’intérêt national » est donc une appellation nationale, comme peuvent en être titulaire d’autres lieux de diffusion. La compagnie KS and Co est elle aussi conventionnée, de façon pluriannuelle. C’est également un label qui existe au national.

La particularité du Centre dramatique Kokolampoe, c’est qu’il n’est pas un dispositif national déposé sur un territoire. Il s’est construit autour d’un projet artistique. Pour la réalisation de ce projet nous développons un certain nombre d’activités, d’où par exemple la nécessité de former et de contribuer à former des professionnels, qui permettent de faire évoluer nos structures. De là, la création du TEK (Théâtre École Kokolampoe), le travail avec l’ENSATT Lyon, le CFPTS à Bagnolet et aujourd’hui avec l’Université de Guyane tombe sous le sens.

Nous sommes amenés en même temps que la recherche et la formation de collaborateurs, à penser aussi les infrastructures.

Ainsi les locaux qui abritent le théâtre ont beaucoup évolué à depuis 2003, date à laquelle s’est installée KS and CO dans le Camp de la Transportation. C’est un défi permanent car il faut trouver des fonds pour donner vie à une structure qui n’a pas son équivalent sur le territoire national. Le premier partenaire qui a véritablement permis d’initier des travaux d’investissement est le programme leader, fond européen animé par la CCOG et porté à l’époque par la Direction de l’Agriculture et des forêts. Cette subvention a été un levier pour nous permettre d’aménager la Case 8 en véritable théâtre. La ville de Saint-Laurent, la Direction des Affaires Culturelles de Guyane et la Fondation EDF ont également été des partenaires importants.

 

Quelles sont vos projets de développement ?

Notre ambition est de continuer à développer les mises en réseau entre les jeunes acteurs et artistes guyanais et les établissements et équipes artistiques de la Grande Région Antilles-Amazonie et d’Europe, de développer des coproductions avec des artistes du territoire et d’ailleurs.

Par exemple, en 2021, nous nouons des partenariats forts avec le Théâtre des Calanques à Marseille, la Maison de la Poésie, Centre de créations pour l’Enfance à Reims, le Théâtre des Halles à Avignon, ETC Caraïbes, Tropiques Atrium, scène nationale de Martinique, etc.

Nous continuerons de développer l’offre de formations aux métiers du spectacle. Nous projetons déjà avec Laurent Gutman, directeur de l’ENSATT Lyon l’ouverture d’une licence professionnelle. Nous réfléchissons avec l’Université de Guyane à l’offre de formation pour les cinq prochaines années.

Nous sommes également partenaires du Diplôme Universitaire de l’Université des Antilles Ingénierie et Administration du Spectacle Vivant, auquel je participe en tant que membre de l’équipe pédagogique.

Le fait est que nous sommes sans cesse dans l’empirique, le départ de la réflexion étant toujours le projet artistique, autour duquel s’articulent les axes de développement. C’est ce fonctionnement atypique et ancré sur le territoire qui fait notre rayonnement.

Regard sur l’année nouvelle

Ewlyne Guillaume, Co-directrice du Centre Dramatique Kokolampoe et metteure en scène.

Dans quel état d’esprit abordez-vous 2021 ?

Nous sommes dans une période qui demande plus de profondeur, même-si on aime rire en écrivant. Il y a une forme de gravité qui s’impose, c’est une période de réflexion. On a toujours réfléchi sur notre programmation, mais malgré tout le soin que nous y avons porté, je crois que le moment est venu de se pencher sur des projets engagés et sensibles. Notre état d’esprit est dicté par les difficultés du temps, tout en respectant l’esprit du théâtre équitable.

Comment pensez-vous y parvenir ?

Il faut s’ouvrir aux autres, malgré ces conditions difficiles de voyage.

D’abord, en mettant l’accent sur les résidences. Le centre dramatique a toujours accueilli des artistes du monde entier : la Russie, le Vietnam, le Japon. Mais cela restait ponctuel, comme une plongée dans l’ailleurs. Là, il s’agit d’avoir une nouvelle approche, moins centrée sur l’exigence de rendus figés et contraints. Apprendre la patiente d’accueillir des personnes avec un projet, qui émergera peut-être durant leur séjour en Guyane ou peut-être plus tard. En ce moment, nous accueillons une jeune autrice de théâtre issue de l’ENSATT et leurs responsables partagent notre vision.

La programmation de Gustave Akakpo participe-t-elle de cette ouverture ?

Tout à fait. Gustave Akakpo, est un auteur et comédien togolais, ami du théâtre. Il sera en résidence de création du 18 février au 3 mars. Trois de ses œuvres seront à l’affiche : Habbat Alep, Comme la France est belle ! et La véridique histoire du petit Chaperon Rouge, que j’aurai le plaisir de mettre en scène.

Il est parmi les rares écrivains à pouvoir parler des problèmes graves avec un humour décapant et truculence. Parfois pour sensibiliser le public, on peut utiliser la comédie, on peut le toucher autrement. C’est bien pour la Guyane, de recevoir des auteurs qui nous ressemblent. Son écriture est musicale et empreinte d’Afrique, mais sans être ethnocentrée. C’est quelqu’un de notre temps, ouvert au monde et ça, ça fait beaucoup de bien.

D’ailleurs, la programmation fait toujours une belle place aux créations guyanaises, car il faut s’entraider. Il est important que nous diffusions nos propres créations. C’est la seule façon de progresser et d’oxygéner sa créativité.

Comment envisagez-vous l’année pour les étudiants du DUPMA ?

La transmission est plus que jamais essentielle. Dans ma direction avec les acteurs, j’ai acquis encore plus de bienveillance. Je suis très sensible à la naissance du talent, à cette foi en soi. On croit de moins en moins, parce qu’on est fragilisé par la société de consommation, désenchanté face à la politique, face à la science. Pourtant, je crois en une amélioration possible du monde grâce à ces jeunes professionnels.

Nous restons aussi ouverts à l’échange entre professionnels et notamment avec le Théâtre des Calanques à Marseille et le Collectif Ma’théâ, à Reims. Avec la crise sanitaire, dont nous ne connaissons pas l’issue, se produire en spectacle va être très difficile cette année. Nous avons cependant choisi d’accueillir 8 étudiants, dont nous suivons les progrès au sein de leur école de théâtre. Nos étudiants, en formation au DUPMA, entameront un travail de création avec eux, avant de partir à leur tour en stage dans l’hexagone, pour continuer la collaboration. Plus qu’un jumelage, c’est une expérience partagée, des plateaux partagés, de nouveaux liens qui se créent.

Les restrictions sanitaires ne sont donc pas un obstacle à la création ?

Ça peut paraitre un peu utopique de dire « on va envoyer nos comédiens en stage », mais cela se fait dans le cadre d’un diplôme universitaire ; il faut en assurer la continuité.

Et bien sûr, on espère accueillir des spectacles. Nous recherchons et mettons déjà en place des solutions pour accueillir le public en extérieur. C’est une autre dimension du plateau technique à trouver. Cela veut dire aussi que nos créations, qui portaient jusque-là la marque du confinement, à 5,50m d’ouverture de plateau, peuvent s’imaginer dans des espaces plus larges. À partir de cela, on peut travailler de façon plus ample, or, encore une fois, notre époque a besoin d’amplitude. Dans cette période où tout tend à se racornir, se refermer sur soi, l’esprit des artistes reste avide d’espace et de lumière.

Rencontre avec Bérékia Yergeau

Comme l’oiseau, c’est l’histoire d’une famille guyanaise ordinaire, qui se retrouve prise au piège d’un trafic de drogue. Lors de la résidence de la compagnie Maztek en septembre 2020, Bérékia Yergeau, metteure en scène de la pièce, nous a fait le plaisir de nous en dire quelques mots.

Comme loiseau - ©Véronique Norca-Kokolampoe-saison-2020-2021-St-laurent du Maroni

Comme l’oiseau – © Véronique Norca

Pourquoi ce sujet ?

Je dirais d’abord que je me suis intéressée au sujet par curiosité. Vu mon parcours, ma classe sociale et ma condition, j’ai énormément de difficultés à comprendre comment des gens peuvent se risquer pour si peu ? dès lors a commencé mon questionnement. Comment est-ce qu’en 2020 on peut être dans un pays des plus riches sur terre et avoir des gens, au-delà d’être prêts à prendre le risque, on cette nécessité de le prendre ?

J’utilise ce sujet comme prisme d’un questionnement sur tout le poids social qui pèse sur nous, ce qu’on accepte de faire ou d’ingérer, pour y répondre. Moi, j’ai grandi au Canada et je fais le parallèle avec des affiches publicitaires pour participer à des études pharmaceutiques, dans les bus. Si tu es un peu mal dans ta vie, tu peux être tenté. C’est très bien payé, mais c’est aussi très dangereux et si ça se ne se passe pas bien, tu ne pourras pas revenir en arrière.

Comment avez-vous construit l’histoire ?

Je travaille sur ce projet depuis 2017. Il a débuté par une enquête, où j’ai cherché à rencontrer des personnes qui avaient déjà suivi le processus, des parents dont les enfants étaient en prison, des ex-détenus qui donnaient leur point de vue sur la réinsertion. Cette année-là, j’ai également commencé l’écriture du texte.

Comment s’est déroulé le processus de création ?

C’est une production itinérante, qui a permis des collaborations dans des lieux différents, avec des personnes d’horizons différents. C’était une dynamique importante du projet, qui a ajouté aux propos et fait sens sur la notion d’itinérance, de parcours et de cheminement des personnages.

Nous avons joué pour la première fois au théâtre Kokolampoe en 2019, puis nous avons fait une pause d’un an, jusqu’en aout 2020. Lors de la résidence de septembre, au centre dramatique, nous avons approfondi le travail d’écriture : précisé la consistance des personnages, leur évolution, leurs motivations. Nous avons aussi travaillé sur la mise en scène, accompagné de Serge Abatucci ; ainsi que sur les costumes avec Léa Magnien et la chorégraphie avec Muriel Merlin.

Comment avez-vous choisi les acteurs ?

À la base, Roland Zeliam, Noémie Petchy et Anahita Gohari sont trois personnes avec qui j’avais vraiment envie de travailler. Je trouvais intéressant d’avoir trois générations sur le plateau. Car souvent on a tendance à associer les mules aux jeunes uniquement, or selon moi, ce n’est pas vrai. Leurs choix éclaboussent la réalité de leur entourage/société. Ils sont nés d’une situation politique et économique précaire, qui était là bien avant eux et qui concerne toutes les générations.

Au-delà de ça, dans la démarche de constitution de l’équipe artistique, j’avais envie de collaborer avec un maximum « d’acteurs » de Guyane ; des personnes encrées dans leur territoire.

Si vous avez manqué la représentation du mois de novembre, jouée à guichets fermés, réjouissez-vous ! D’autres dates sont prévues en février 2021 et un projet de court-métrage avec le réalisateur guyanais Marvin Yamb est à venir.

Retrouvez toutes les informations dans la newsletter de janvier. D’ici là, toute l’équipe du centre dramatique vous souhaite de joyeuses fêtes !

Archives

PARTENARIAT

 

Promenades culturelles


Co-réalisation

Direction du Patrimoine,
Centre Dramatique Kokolampoe,
Guyane CONNECT,
Edson FERREIRA (artiste peintre)

Dans la cadre de la nuit européenne des musées édition 2020, l’équipe du centre dramatique sera partenaire du service des archives et collections, du Camp de la transportation.
Les visiteurs seront invités à découvrir le lieu de travail des archivistes et à voyager à l’époque du bagne, à travers la lecture par les comédiens, de documents issus de la correspondance du centre pénitentiaire.
La collaboration artistique porte également sur la scénographie lumière et vidéo, qui illumineront les murs du bâtiment des archives, ainsi que ses espaces intérieurs.

Coordination artistique : Serge Abatucci
Conception Lumière et Création vidéo-mapping : Mickaël Creusy, Humphrey Amiemba, Jerrel Vinche
Voix : Augustin Debeaux, Alicia Monti, Myslien Niavai, Kimmy Amiemba
Montage sonore : Romalo François


Samedi 14 novembre 2020 en case n°3
De 18 h 30 à 21 h – départ toutes les 15 minutes
10 à 15 personnes
Port du masque pour les adultes et les enfants de + de 11 ans

Rencontre avec Jacques Martial

Acteur et Metteur en scène

Quelle est l’histoire de votre rencontre avec le Centre dramatique ?
Ce sont d’abord des messages et des images vus sur les médias sociaux : Serge Abatucci et Ewlyne Guillaume créant une école, puis un festival de théâtre, les tréteaux du Maroni. Moi, je suis à Paris, je préside l’établissement public du parc de la Villette. Ça faisait longtemps que je ne n’étais pas venu en Guyane, mais vu de Paris, Saint-Laurent pour un festival, ça fait loin.
Et puis, quelques temps après, à la soirée d’ouverture du « festival in d’Avignon », le directeur de l’ENSAT Thierry Pariente, me parle à nouveau de ce lieu, qu’il trouve très intéressant, dirigé par Serge et Ewlyne. Il souhaite leur proposer ma participation à un projet. Je m’étais renseigné sur le centre, sa diversité culturelle et le travail fait avec les businenges, alors immédiatement j’ai dit « formidable, j’ai LE projet ». Cette proposition à Avignon a précipité tout ce savoir sous-jacent, mes souvenirs d’écolier dans les années soixante – soixante-dix en Guyane, ma connaissance du territoire et de mon intérêt pour le peuple businenge. Tout cela s’est ordonné et mis en place dans une vision claire.

Que représente le Centre pour vous ?
Le centre pour moi, c’est la concrétisation de projets, qu’à titre personnel je portais depuis toujours. C’est le lieu magique de tous les possibles. Lorsque l’on réfléchit un projet à partir du centre, le rêve le plus fou devient à la bonne mesure du lieu et de ce qu’il permet.

Diriez-vous que Saint-Laurent est trop loin de Paris ?
Je dirais plutôt : « est-ce que Paris est loin de Saint-Laurent ? ». Le centre, pour moi est à Saint Laurent et pas à Paris. C’est d’ici, que part son énergie, c’est d’ici, que les choses se mettent en mouvement, que le rêve se crée, que les projets se réfléchissent. Ce n’est pas l’inverse.
Il y a un film de Alain Tanner, « Le milieu du monde », dont les premiers mots sont : « Il y a autant de milieux du monde que de personnes qui s’aiment ». Kokolampoe est son propre milieu.

Y a-t-il des projets à venir avec le Centre ?
Il y a la continuation « Songe d’une nuit d’été » de Shakespeare, qui pour moi est un projet et un spectacle exemplaire ; dans la façon dont il a été pensé, mis en œuvre et son résultat artistique. La suite, dont je rêve, est de continuer à tisser le fil de cette exemplarité, qui invente et se réinvente avec force, puissance, mais aussi fragilité. Il s’agit de conserver cette fragilité, tout ce qui nous émeut en pensant à ce projet et en même temps lui permettre de grandir.

Quelle est votre vision pour le théâtre en Guyane ?
Ma vision pour la Guyane, c’est ma vision pour le théâtre : que le théâtre se fasse, se joue, qu’il y ait des compagnies et des spectacles, des spectateurs qui viennent dans les salles. Je n’ai pas de « principes extérieurs ». Le théâtre guyanais existe, c’est celui qui se joue aujourd’hui. L’envie, le désir, c’est qu’il y en ait plus, plus de public et de pièces formidables. La première pièce est importante, mais la deuxième, la troisième, la millième, sont essentielles.

Ce que je ressens de Saint-Laurent du Maroni à chaque fois que j’y viens, c’est que c’est un chaudron où quelque chose est en train de bouillir. Il s’y passe quelque chose de magique, de mystérieux, d’essentiel, sans faire d’esbrouffes, mais ça se passe et ça avance. Saint-Laurent est libre d’inventer et elle le fait.